Ana Carla Fonseca Reis é economista com doutorado em urbanismo e atua como conferencista e consultora internacional em 22 países.

O que é Economia Criativa?

Não há uma definição única, mas o que se entende, via de regra, por Economia Criativa, é aquela economia que é movida por intangíveis. A Economia Criativa surge na segunda metade da década de 1990, quando a Globalização e as mídias digitais fazem com que tudo seja muito mais facilmente transferível no mundo. Antes, havia grandes bastiões da competitividade na economia, como capital e tecnologia. Hoje, eles continuam sendo importantes, mas circulam no mundo de uma forma quase volátil. O que se percebeu ao longo desse processo foi que o que não era tão facilmente transferível – e, aí sim, daria uma competitividade maior à economia – era a criatividade das pessoas.

Os conceitos de “Economia Criativa” e “Indústria Criativa”, que associam economia e indústria à criatividade e à cultura são vistos com desconfiança pelos defensores de uma suposta “pureza” do campo cultural?

Quando eu comecei lidar com Economia da Cultura, e depois com Economia Criativa, a primeira reação que as pessoas tinham era “lá vem a Economia conspurcar a nobre arte”. Mas a Economia não dita o que a Cultura fará ou deixará de fazer. A partir do momento em que se tem uma política cultural ou de desenvolvimento bem definida, a Economia oferece um corpo de instrumentos que indica: “se você quer chegar até lá, vá por esse caminho”. É mais um GPS do que qualquer outra coisa. Precisamos romper com essa lógica de que a Economia vai ditar alguma coisa, porque ela não é normativa.

A Economia Criativa pode contribuir para emancipar aqueles que trabalham na área cultural, ainda muito dependentes de editais e incentivos públicos e privados?

No Brasil, a gente tem uma tendência a pensar que, sendo produzido, o produto escoa no mercado quase por combustão espontânea, e isso não é verdade. Há um gargalo grande de distribuição e um gargalo ainda maior de demanda. A partir do momento em que você começa a fazer com que as pessoas percebam que não adianta colocar todas as fichas em produção, que você tem que pensar num fluxo, há, sim, um potencial de contribuição para que esses talentos se concretizem como agentes econômicos. Agora, do lado do produtor e do artista, também temos que ter uma mudança de mentalidade. Muitas vezes as pessoas querem produzir e criar apenas porque gostam, mais sem pensar no outro, ou seja sem pensar no "consumidor". A pessoa cria para o seu bel prazer. Isso é diletantismo. Se ela depende de recursos públicos ou privados e não pensa no potencial de mercado, é porque ela está criando para si e não criando para o outro. Se a pessoa quer se entender como artista profissional, como um agente econômico, ela tem que lembrar que seus produtos vão encontrar um mercado e verificar quem é o potencial consumidor. Essa passagem de assistencialismo para empreendedorismo é algo que muitas vezes, no Brasil, causa certo mal-estar. Ainda existe aquele ranço, que vem desde a Idade Média e é uma grande visão romântica, de que “eu tenho que ter um mecenas, seja público, seja privado, para pagar as minhas contas”. Isso não funciona mais e vai funcionar cada vez menos, porque o governo tem cada vez menos dinheiro e as empresas privadas estão cada vez mais concorrenciais, tendo também cada vez menos recursos para investir.

Por sua compreensão do mercado e capacidade de tradução ao consumidor de conteúdos simbólicos e culturais, o design é um dos conceitos chave da Economia Criativa. Qual a importância de aliar o design ao artesanato na promoção do objeto brasileiro?

Existem diversas formas de você incorporar o Design no artesanato. Tem a forma mais acintosa, problemática e assassina de agir, que é quando se transforma o conteúdo cultural que está embutido no artesanato, falando assim: “Deixe de fazer isso da forma como você faz, comece a utilizar outros materiais, porque é isso que o mercado quer”. Com isso, você se vende ao mercado e esvazia aquele conteúdo cultural. O extremo da escala é quando se fala assim “Que maravilha, que bacana, vamos vender tal qual”, e daí ninguém vende, ou vende naquela história de alguém comprar porque acha super bacana a forma como foi produzido, mas quando chega em casa não sabe nem o que fazer com aquilo. O meio do caminho, que, via de regra, é o mais sábio, é não interferir no conteúdo cultural, mas dar uma visão de mercado à forma. Por exemplo, se eu sei que determinado produto vai ser transportado, tenho que fazer uma embalagem propícia ou pensar num material que não vá se espatifar no meio do translado; se eu faço grandes peças e as pessoas, normalmente, moram em apartamentos diminutos, não adianta eu continuar a fazer naquele tamanho, talvez tenha que diminuir a escala. Então, você mexe na forma, mas não no conteúdo. Se adotarmos isso como estratégia dentro do setor, é interessante, porque começaremos a perceber que, de novo, as coisas são conciliáveis. Com isso, há um olhar sobre o outro, e não aquele artista desconectado do mundo, que produz o que quer e acha que o outro “vai ter o bom senso de adorar aquilo que eu faço”. O artista deve pensar no outro de modo que ele adore seus produtos e possa ter acesso àquilo. Esse é o grande desafio: conseguir fazer com que todo mundo ganhe.

Nem tudo o que tem grande valor simbólico e cultural tem valor de mercado. Qual a solução para a valorização e preservação deste tipo de bem?

Precisamos utilizar a Economia para resolver o que tem potencial de mercado de modo que sobre dinheiro público, e até de editais privados, para o que não tem. Sem dúvida, há coisas que vão continuar não tendo potencial de mercado, mas que merecem ser preservadas dentro da nossa política de valorização. Tem coisas que vão precisar de dinheiro sempre, porque são vistas como investimento na sociedade. Só que para isso você tem que ter liberado recursos do que hoje é aplicado as borbotões no que poderia ter potencial de mercado e que acaba bebendo das mesmas fontes.

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