Quais são as principais características do artesanato chileno? Quais são os materiais mais utilizados?
Bárbara: A diversidade geográfica do Chile se reflete em um artesanato rico e heterogêneo. De acordo com a nossa política pública, definimos um determinado grupo de ofícios artesanais presentes no país, aqueles que correspondem às diversas expressões da produção artesanal, caracterizada por culturas e matérias primas representativas do território chileno. Cada um desses ofícios representa em si uma disciplina com diferentes significados, níveis e processos produtivos – conforme o território e a identidade de quem os executa ou transmite. Entre os ofícios ou categorias de artesanato destacam-se a tecelagem, o trabalho em madeira, cestaria, cerâmica, trabalhos em couro, ourivesaria e entalhe em pedra.

 

O “Tesouros Humanos Vivos” foi um programa criado pela UNESCO na década de 1990. Como surgiu esta iniciativa no Chile, em 2009?
Eileen: No Chile, esse reconhecimento começou a ser feito assim que foi ratificada a Convenção da UNESCO para a Salvaguarda do Patrimônio Cultural Imaterial, no ano de 2008. O programa entrou em vigor em 2009, tornando-se o Conselho Nacional da Cultura e das Artes o órgão estatal responsável pelo seu cumprimento. Assim, foi iniciada a construção de um modelo de implementação, baseado nas diretrizes da UNESCO e adaptado à realidade do país. Conforme esse modelo, anualmente é feita uma convocação pública para que as pessoas indiquem para o reconhecimento como Tesouro Humano Vivo aqueles cultores ou cultoras que criam, recriam e transmitem os saberes e técnicas que herdaram e que fortalecem a identidade de suas comunidades, enriquecendo a diversidade cultural presente no Chile. O reconhecimento consiste em uma certidão pública da qualidade do Tesouro Humano Vivo, além de um incentivo econômico único, para as seguintes categorias e valores: a) Para três pessoas físicas, ou cultores(as) individuais: um prêmio de $3.000.000 (três milhões de pesos - equivalente a U$4.500) para cada um dos três cultores(as); b) Para três coletivos ou comunidades: um prêmio de $7.000.000 (sete milhões de pesos - equivalente a U$10.600) para cada uma das três entidades.

 

O interesse do governo pelo artesanato é algo mais recente, ou já foram desenvolvidas outras iniciativas em períodos anteriores?
Eileen: O trabalho na esfera do artesanato foi desenvolvido por diversos governos e instituições. No ano de 2003 foi criada a Área de Artesanato, na Divisão de Cultura do Ministério de Educação, com o objetivo de se tornar referência pública para o setor de artesanato no país e trabalhar pelo seu reconhecimento, valorização e promoção. Nesse mesmo ano, com a criação de nova institucionalidade cultural, o Conselho Nacional da Cultura e das Artes tornou-se parte deste, constituindo-se no campo de ação que atualmente se foca na promoção do artesanato. Paralelamente, o artesanato tradicional é abordado a partir de uma perspectiva patrimonial pela Seção do Patrimônio Cultural Imaterial, onde eu trabalho e que, embora não seja uma área voltada exclusivamente para o artesanato, é um foco importante do trabalho pelo fato de existirem inúmeras manifestações, muito diversas e representativas de certos territórios, principalmente os rurais. As três linhas de trabalho principais são: elaboração de dossiês e de planos de salvaguarda no âmbito do Inventário Priorizado do Patrimônio Cultural Imaterial no Chile; turismo cultural; e reconhecimentos, como o “Tesouros Humanos Vivos” e “Portadores de Tradição”.

 

Leia entrevista na íntegra

A transformação do barro está presente com muita força na cultura brasileira. Vários povos indígenas têm uma requintada produção de utensílios cerâmicos; em todos os estados do país há comunidades artesanais dedicadas ao material; e nas últimas décadas cresceu a sua utilização por artistas e designers urbanos.

Cerâmicas do Brasil, em cartaz em A CASA de 12 de agosto a 18 de outubro, quer apresentar um olhar transversal sobre essa produção. Nos concentrarmos no momento atual, século 21, procurando pontuar algumas vertentes dos trabalhos que vem sendo desenvolvidos. A exposição junta em pé de igualdade criações de indígenas, artistas e designers populares e artistas e designers eruditos, universos tantas vezes vistos de maneira estanque.

Da produção indígena pinçamos os Wauja, tradicionais ceramistas do Parque Nacional do Xingu, muito conhecidos por suas panelas de vários formatos e tamanhos, algumas enormes, e com ricos grafismos. No processo recente de interação entre os vários grupos xinguanos, houve uma absorção da técnica pelos Mehinako. Na exposição apresentamos uma panela e um torrador de beiju de autoria de Iamony Mehinako e uma panela zoomorfa elaborada por Uleialu Mehinako.

As peças do povo indígena Paiter Surui, de Rondônia, não apresentam qualquer ornamento. A única preocupação é com a forma, que atende a diferentes funções. Os utensílios revelam grande primor técnico e chegam a espessuras muito finas e delicadas e a texturas lisas e suaves.

Os legados culturais indígenas muitas vezes sofrem processos de recriação e continuidade. Foi o que aconteceu com a comunidade de mulheres dedicadas à produção artesanal de panelas de barro no bairro de Goiabeiras, em Vitória, no Espírito Santo, herdeiras de tradições indígenas. O Ofício das Paneleiras de Goiabeiras integrou o primeiro registro de Patrimônio Imaterial no Brasil, em 2002. As panelas são indispensáveis no preparo e na apresentação de pratos típicos capixabas e se tornaram o principal ícone da identidade cultural do estado.

Outra comunidade artesanal representada na mostra é o povoado do Muquém, antigo quilombo localizado no município de União dos Palmares, Alagoas, onde há pelo menos cinco gerações alguns moradores se dedicam à produção de utensílios em cerâmica. Embora continuem fazendo panelas para uso próprio e para venda, Irinéia Nunes da Silva e o marido Antônio Nunes se descolaram do utilitário e passaram a fazer obras com forte valor simbólico.

Inês Antonini e Heloísa Galvão também trafegam entre o utilitário e o artístico. De Inês escolhemos a série Fragmentos, uma reinterpretação contemporânea da tradição barroca mineira. Sua produção busca uma linguagem brasileira na queima a lenha no forno Anagama, em geral associado à influência japonesa. Já Heloísa desenvolveu uma linguagem muito própria utilizando a porcelana líquida para a criação de objetos em série. As superfícies de algumas peças exibem serigrafias de imagens capturadas em fotos. Nas bordas irregulares e nas gotas escorridas, cada obra traz o registro do momento fugaz em que surgiram – não por acaso, tal como na fotografia.

Sara Carone vem da pintura, desenho e escultura. A partir dos anos 1980 elege a cerâmica como suporte, fazendo objetos que são como telas tridimensionais, sobre as quais ela desenha. Nesta mostra buscamos uma faceta nova de seu trabalho. Cacos em diversas fases de queima e sobras destinadas ao lixo do ateliê são amarrados e/ ou colados ganhando poeticamente uma nova vida.

Quem também dá vida nova a um material é o designer Brunno Jahara. Brunno empilha os vasos e pratos de terracota fabricados em série por olarias para o mercado de jardinagem e com eles compõe luminárias, fruteiras, candelabros e vasos. As peças da série Conterrâneos saem do banal para galgar o mercado recente e crescente dos colecionadores de design.

Colocar lado a lado no mesmo espaço expositivo peças tão diversas permite, a meu ver, que uma ilumine a outra, compondo um mosaico de enorme riqueza. Esta reunião também mostra como, na contemporaneidade, os limites entre artesanato, design e arte perderam a rigidez e passaram a se interpenetrar, abrindo novas possibilidades no universo criativo.