Atualmente você desenvolve a sua pesquisa de pós-doutorado em artes pela Universidade de Lisboa, em Portugal, investigando alguns vestígios e memórias lusas aplicadas na arte brasileira. Quais foram as principais relações já encontradas entre as cerâmicas portuguesa e brasileira?
Para minha surpresa, para conseguir descobrir maiores informações sobre a cerâmica de Portugal, tive que descer para o Marrocos, no norte da África. Foi a partir dali que surgiu um ciclo que percorreu a Espanha, Portugal e depois chegou ao Brasil. Todos os alguidares que existem na Bahia, que são geralmente utilizados nos rituais da umbanda, da macumba e nas oferendas que se colocam em cruzamentos de ruas, vieram do norte da África – passou via Portugal e veio para o Brasil. Mas o meu interesse principal era mais na cerâmica popular. E foi aí que eu fiquei mais surpresa: muito do que eu descobri das figurações das cerâmicas de Barcelos e de Estremoz, que são bem coloridas, tiveram origem com as Figureiras de Taubaté, em São Paulo. Toda aquela tradição das flores e dos presépios de Natal foram levadas por portugueses que estiveram no Brasil e depois retornaram. Num primeiro momento pensei que fosse o inverso, que essa tradição tivesse vindo de Portugal para o Brasil, mas durante as investigações percebi que o intercâmbio ocorreu do Brasil para Portugal. Nesse sentido, imagino que o mais importante para vermos nessa pesquisa é que o norte da África possui uma influência extremamente forte sobre a cerâmica portuguesa. E que existe sim uma ida do Brasil para Portugal que misturou alguns dos elementos da tradição ceramista portuguesa com o vigor das cores e com a questão da floresta, que para eles é um enigma muito grande. Dessa forma, esse tropicalismo das nossas peças acabou indo para lá, onde eles exageraram no uso das flores e na representação do amor, mas com trabalhos muito conectados com a cultura portuguesa. Espero ter uma publicação mostrando aspectos desse vai e volta da arte. Afinal, na minha opinião, a preservação dos saberes tradicionais só se perdura com publicações. Então, enquanto acadêmicos, esta é a nossa responsabilidade: preservar memórias.

 

Em sua segunda tese de doutorado, desenvolvida no âmbito do Programa de Pós-Graduação Interunidades em Integração da América Latina da Universidade de São Paulo (PROLAM/USP), você analisou, especificamente, aspectos da produção em cerâmica no Brasil e no Paraguai. Quais foram as principais semelhanças e diferenças encontradas no trabalho com o barro nesses dois países?
O PROLAM, que é um programa de estudos sobre a América Latina, exige que se faça uma comparação entre dois países latino americanos. Alguns países, como Peru e México, já eram muito conhecidos, então resolvi escolher o Paraguai, que é um país fascinante quanto à produção e preservação da sua cerâmica através do Museu do Barro, em Assunção. Este é um dos museus mais bonitos e mais organizados que eu já vi, e que tem uma função extrema de preservar os saberes cerâmicos do país porque as novas ceramistas vão ao museu para observar as peças que seus avós e bisavós faziam, com o intuito de resgatar essas memorias. No Brasil concentrei minha análise no Vale do Jequitinhonha. Assim, entre a produção brasileira e paraguaia, pude constatar que as duas cerâmicas são feitas por mulheres e que normalmente elas não têm marido. Os temas trabalhados na cerâmica também são os mesmos nos dois grupos: a mulher, o filho, o casamento - que é o objeto de desejo das mulheres, ou os animais que circundam o ambiente. E são comunidades onde a mulher vive ao redor do fogo. Isso é muito interessante. Elas nunca saem ou vão a outro lugar porque estão a todo tempo produzindo, buscando o barro, triturando-o e confeccionando as suas peças. Em relação às diferenças, no Vale do Jequitinhonha nota-se que elas trabalham a figura humana em oxidação; entra bastante oxigênio dentro do forno para expulsar o gás carbônico. As peças são puras e limpinhas, sem manchas pretas. Já no Paraguai o objetivo é a carbonização, tanto que elas chamam as peças de fumigado. A beleza da peça vem do negro. Quanto mais negra, mais belo. Se restar uma manchinha do barro, elas voltam e carbonizam aquele local. A estética da obra também é diferente entre as duas comunidades. No Vale do Jequitinhonha as artesãs sempre miram a proporção ideal do rosto, o olho azul, a pele branquinha e os vestidos de florzinhas com babadinhos. As bonecas estão sempre vestidas, como diz a Dona Isabel, em “roupa de domingo”. Já no Paraguai, as bonecas são nuas, negras, com o pé no chão e órgãos genitais mostrando. E também são imensas, com aproximadamente um metro e meio. É uma escultura bem tradicional da América Central, da Mesoamérica e dos Maias. E elas fazem isso sem nunca ter lido um livro.

 

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Em todo o mundo, o objeto artesanal resguarda uma íntima relação com o ambiente onde ele surge e onde a sua produção efetivamente ocorre. Entretanto, a apreciação deste produto não está restrita àquele local. O encurtamento das distâncias geográficas promovido pelo crescente aumento no fluxo de produtos, pessoas, conhecimentos e saberes possibilitou que o artesanato chegasse a diversos locais do planeta.

Compreendendo esse “ir mais longe” como um fator de extrema importância para suas atividades, A CASA museu do objeto brasileiro, desde a sua fundação, sempre buscou meios de compreender a dinâmica da produção artesanal em outras regiões do globo terrestre. Por meio de workshops, publicações, seminários, exposições e outros projetos, A CASA buscou contribuir positivamente neste debate, que tem o intercâmbio cultural como um dos seus principais objetivos.

 

Uma das iniciativas que mais atraiu olhares foi o projeto A Chita na Moda, sob curadoria do estilista Dudu Bertholini, que recontou a história deste tecido surgido na Índia, mas que ganhou novos contornos em solo brasileiro. Passado, presente, trabalho, castigo, festa, criação, arte, infância e malícia se combinam nas cores e misturas descontroladas das estampas, que vestiram escravos, camponeses, tropicalistas, personagens de literatura, teatro, novela e cinema. Onze estilistas brasileiros deram suas diferentes interpretações ao tecido. O resultado disso chegou em 2005 às tradicionais Galerias Lafayette, em Paris, na França.

Já em 2009, a Exposição Brasil na África Artesanato Moçambicano + Design Brasileiro, com curadoria do designer Renato Imbroisi, trouxe a São Paulo peças feitas à mão em Moçambique, por artesãos daquele país, criadas e desenvolvidas a partir de oficinas de artesanato orientadas por designers brasileiros.  

Mais tarde, em 2013, os argentinos Alejandro Sarmiento e Lujan Cambarieri foram responsáveis pela Exposição Satorilab: A Infância em Jogo, cujo objetivo era trazer brinquedos produzidos a partir de materiais reciclados. O projeto Satorilab desenvolve laboratórios de design experimental com materiais recicláveis. Seus pilares são o pensamento e a experimentação. Para isso, sempre se valem de um tema diferente. O projeto propõe dar início a um processo de conscientização sobre o consumo desenfreado, o meio ambiente, problemas sociais e questões para as quais o design pode oferecer respostas.

 

No ano seguinte, A CASA serviu de palco para reflexões sobre o design como uma ferramenta de mudança social. Para tanto, a jornalista Adélia Borges mediou a palestra do grupo dinarmarquês FairTrade Designers. Fundado em 2007, suas três criadoras trabalham separadamente com a temática do design. A palestra foi sobre o trabalho da instituição na abordagem do design thinking e do artesanato em projetos interculturais e interdisciplinares em todo o mundo. “O FairTrade Designers faz perguntas para gerar ideias poderosas, desenvolver cenários e convertê-los num objetivo estratégico ou num objeto físico, baseado numa crença fundamental de que tudo pode ser feito e realizado de forma sustentável”, afirma Adélia.

 

Em 2015, no âmbito da abertura da exposição Cerâmicas do Brasil, A CASA reafirmou novamente seu compromisso em promover o intercâmbio e a troca cultural entre sociedades geograficamente distantes ao realizar um debate sobre a produção de cerâmica no cenário contemporâneo. O evento contou com a participação da curadora da mostra, Adélia Borges, da ceramista indígena Katiane Suruí e do designer dinamarquês Ole Jensen, que veio especialmente para a palestra, por meio da Danish Agency for Culture do governo da Dinamarca.

 

Desse modo, seguindo a sua missão de promover a valorização e o fortalecimento do artesanato, A CASA, em agosto de 2015, tornou-se o representante brasileiro e do Mercosul na Rede Internacional de Consultoria para o Desenvolvimento do Artesanato (RIDA). A rede conta com participantes dos cinco continentes que desenvolvem ações relevantes para a comercialização do produto artesanal, a coleta de dados e a inserção destes produtos no mercado, visando a produção sustentável e, principalmente, a valorização das técnicas e conhecimentos dos artesãos.

Além disso, dando continuidade ao ideal de constantemente ampliar as suas fronteiras, o museu A CASA, a partir deste mês, anuncia aos usuários do museu virtual a criação de duas novas ferramentas: o desenvolvimento da iniciativa A CASA e o mundo e a disponibilização parcial do conteúdo do website da instituição em inglês.

O projeto A CASA e o mundo tem como objetivo central apresentar para o público brasileiro elementos e características da produção artesanal desenvolvida em outros países do globo, através da disponibilização gradual e contínua de textos, vídeos e imagens de projetos, museus, ações e iniciativas internacionais que procuram valorizar o saber fazer e a tradição do trabalho efetuado por artesãos e comunidades.

 

Segundo Renata Mellão, diretora do museu A CASA, “para nós, sempre foi muito relevante o que acontece em outras instituições e a criação do A CASA e o mundo surgiu justamente para nos conectar com outros projetos e instituições. Para tanto, também é necessário que o nosso museu virtual também esteja cada vez mais acessível. Por isso, para nos comunicar, estamos empenhados em traduzir o site para o inglês a fim de garantir que mais pessoas possam acessá-lo”.

 

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